2024-25 ARTISTAS RESIDENTES y becarios korry
ARTISTAS RESIDENTES
Samantha Cosentino
Soy pintor y trabajo principalmente con óleo sobre lienzo. Desde que estudié dibujo y...
Durante la universidad, con el grabado, experimenté con diversas formas de arte, en particular con esculturas de papel maché de gran tamaño. Aun así, siempre me atrae la versatilidad y las posibilidades del óleo. Al comenzar una nueva obra, esbozo lo que pretendo pintar, un proceso que me ayuda a perfeccionar las imágenes y el diseño. Sin embargo, lo emocionante de pintar para mí es que, independientemente de cómo lo planee, ocurre algo mágico al mezclar pigmentos sobre el lienzo: añade nuevas capas, tanto figurativas como literales, al concepto original o me guía hacia una nueva dirección.
Las emociones y las conexiones humanas me inspiran. Intento visualizar entornos humanos internos —a menudo el mío— y los cuerpos que los albergan. Da miedo ser vulnerable, pero lo hago de todos modos porque compartir mis experiencias siempre me ha permitido conectar profundamente. Mi objetivo es abrir un camino a la empatía para permitir una comprensión más profunda de (nuestra) humanidad. Creo que crear y contemplar arte puede ser terapéutico, una forma de procesar sentimientos desde la felicidad hasta el dolor, la pena y la confusión.
Utilizo imágenes simbólicas y figurativas, líneas expresivas, color y textura para crear escenas para el espectador, y mis temas incluyen la recuperación —lo que me gusta llamar la regeneración del alma—, el amor y los sueños. También me interesa explorar el patrimonio cultural y la identidad.
Emily Curran
Emily Curran (ellos/ella) nació y creció en Norwalk, Connecticut. Emily recibió una
Licenciatura en Ilustración por el Pratt Institute en 2017. Tienen su sede en
Bridgeport y trabaja como profesora en la escuela One River de Westport. Emily trabaja como ilustradora, creando obras basadas en historias a través de cómics y libros ilustrados. Su obra varía desde tonos más oscuros con tinta hasta coloridas y caprichosas pinturas al gouache.
Emily siente un gran amor por su comunidad y le apasiona trabajar con niños. “Mi objetivo con mi trabajo es convertir lo cotidiano en mágico, recordarme a mí misma y a los demás que la belleza reside en los momentos cotidianos. También uso la ilustración para dar vida a la fantasía cuando anhelo algo un poco más sobrenatural. El arte, para mí, es una herramienta para expresar mis sentimientos y experiencias en forma de historias. Me reconforta la idea de que alguien pueda identificarse con algo que he dibujado. Espero haber publicado mi obra en forma de novela gráfica o libro infantil. Siempre he soñado con poder trabajar en un estudio fuera de casa y estoy emocionada de poder experimentarlo el próximo año. Mi objetivo no es solo vivir de la creación, sino también mantener el arte como mi base. Quiero crear piezas que hablen al espectador y lo transporten a un mundo nuevo. Mi objetivo es ilustrar historias con personajes que la gente llegue a amar y apreciar tanto como yo”.
San phifer
Sain't Phifer es un artista autodidacta con la notable capacidad de transformar conceptos sencillos en obras de arte significativas y profundas que despiertan la conciencia. Impulsado por una profunda pasión por la autoexpresión, Sain't ha encontrado consuelo y sanación en su trayectoria artística. El arte se convirtió en una herramienta poderosa que lo ayudó a navegar y superar sus dificultades personales.
Invita al espectador a embarcarse en un viaje a través de su obra abstracta y minimalista. Inspirándose en figuras como Basquiat y David Hammons, sus creaciones visuales trascienden los límites convencionales, ofreciendo una experiencia visual única que despierta la imaginación y la introspección más allá del lienzo. A través de su exploración artística, captura la esencia de sus sujetos, destilándolos hasta sus elementos esenciales. Cada pincelada y elección de color transmite una intención, invitando al espectador a interpretar y conectar con la obra a nivel personal.
Viviane Rivas
Viviane Rivas es una ilustradora nacida y criada en Stamford, Connecticut, y graduada del Savannah College of Art and Design con una licenciatura en Ilustración Conceptual. Al crecer en un hogar de inmigrantes, tuvo el privilegio de desarrollar sus propios gustos e intereses en la cultura estadounidense. Por ello, su arte se inspira en gran medida en los obstáculos de la vida como joven hispana, el macabro terror de principios de la década de 2000 e innumerables novelas fantásticas. Sus obras resultantes tienden a representar temas simbólicos e inconsistentes, presentados con contornos y colores audaces: temas como la vida cotidiana, temas fantásticos, anécdotas peculiares y personajes imaginarios.
Como joven artista guatemalteca, mi obra refleja las múltiples influencias que han moldeado mi identidad y perspectiva hasta la fecha. Me esfuerzo por crear obras de arte que conecten con el espectador tanto a nivel emocional como visceral, utilizando experiencias, símbolos e imágenes que he incorporado a mi léxico creativo a lo largo de los años. En mi adolescencia, siempre me maravilló la capacidad creativa de los mundos fantásticos en los que me sumergía, ya fuera en películas o libros. Estas narrativas, junto con las historias alocadas de la infancia de mis padres, alimentaron mi imaginación y crearon una especie de lente a través del cual explorar y transformarme a mí misma y a mi arte. Al ahondar en mi subconsciente a través de mi obra, descubro que se convierte en la invitación perfecta para que mis espectadores se unan a la introspección. Un elemento central de mis creencias como mujer y artista hispana es el compromiso de traspasar los límites y desafiar el statu quo. Ya sea mediante la elección de temas o el uso de materiales poco convencionales, espero fomentar una mayor empatía y comprensión, tanto dentro de mí como dentro de... comunidad más amplia”.
2023-24 ARTISTAS RESIDENTES
MCLEE MATHIAS
McLee Jessie Mathias nació en Stamford, Connecticut. Criado por una madre soltera que emigró de Haití, aprendió el valor del trabajo duro y la perseverancia desde pequeño. Desde que aprendió a tocar la trompeta en la primaria, su pasión por la música y las artes se avivó. Primero fue la música, luego la fotografía y ahora está consolidando su carrera en el mundo artístico.
Autodidacta en todos estos campos, su pasión proviene de su ciudad natal, Stamford. Ante la constante advertencia de que tendría que irse para triunfar en la industria, McLee decidió asumir el reto y "dominar su propio dominio".
Ama la diversidad de personas, la socioeconomía, el paisaje y la cultura general de su ciudad natal, y lo aplica a su obra. La materialización de una idea intangible se refleja en todas sus pasiones. Como fotógrafo, trabaja con sus sujetos para dar vida a sus visiones. Como artista, su uso de la multiplicidad de capas es sinónimo de su perspectiva de la vida. Cada persona, lugar o cosa tiene capas, y McLee las saca a la luz. Su viaje acaba de comenzar y, como nuevo Artista Residente en The Norwalk Art Space, solo el tiempo dirá dónde terminarán sus experimentos artísticos. Estén atentos, apenas está comenzando.
BRIE MIYOKO
Brie Miyoko (ella) es una artista plástica y educadora de arte nacida en Connecticut, especializada en pinturas surrealistas con acrílico y óleo. Actualmente, su práctica artística se desarrolla en el área metropolitana de Nueva York, donde se centra en inspirarse en su vida cotidiana.
Recrear fotografías familiares del pasado, honrar a nuestras figuras maternas, abuelos y comunidad, desempeña un papel fundamental en su obra. Además, crea nuevos recuerdos en el presente. Miyoko estudia actualmente en la Universidad de Connecticut-Stamford, donde cursó dos años en la Facultad de Bellas Artes antes de pasarse a Educación Infantil. Su pasión por las artes visuales la ha acompañado desde tiempos inmemoriales. Desde dibujar en los asientos de un autobús escolar en la primaria, vender retratos personalizados de amigos en la preparatoria, hasta realizar exposiciones colectivas en Brooklyn durante la universidad.
Mi obra siempre ha sido un reflejo de mi estado mental y de mi situación vital. Creo que plasmarlo a través de conceptos visuales es fundamental para alguien que nunca ha sido hábil con las palabras ni ha tenido los espacios necesarios para expresarse durante su infancia. Valoro mucho el pincel y el lienzo en blanco en mi vida porque me permiten crear narrativas mejor de lo que yo jamás podré. Mi obra física explora la idea de cómo las mujeres cargan con el trauma en sus cuerpos, por lo que la narrativa es algo que intento emular con frecuencia durante mi proceso creativo. A través de mi obra, exploro las relaciones entre la salud mental, la cultura familiar tóxica , la sexualidad y la influencia del trauma en las relaciones románticas, todo desde la perspectiva de una mujer negra de veintipocos años.
ALEJANDRA GONZÁLEZ ZERTUCHE
Alejandra González Zertuche es una pintora al óleo y educadora residente en Connecticut, originaria de Coahuila, México. Recientemente se graduó de la Universidad Estatal de Texas, donde obtuvo su Licenciatura en Bellas Artes con especialización en pintura. Sus pinturas se centran en las historias y recuerdos de quienes la rodean, así como en su identidad como mexicana residente en Estados Unidos.
A través de mi obra, creo una reflexión consciente y un relato de mi testimonio visual sobre la transformación, la esperanza y la supervivencia en Estados Unidos. Me centro en representar a las personas indocumentadas y su experiencia en Estados Unidos a través de escenas de resiliencia y valentía. Mi obra es un archivo constante de historias personales que recuerdan el viaje y la vida tras llegar a una nueva tierra. Mientras muchos intentan integrarse, otros intentan convertir sus comunidades en pequeños rincones del hogar que dejaron atrás, construyendo negocios y marcando un camino para las generaciones futuras.
Presento mi trabajo como una tercera cultura que aún se está formando y reconociendo. La identidad de ser "de aquí y de allá", una mezcla de herencia mexicana en tierras del norte, y no "ni de aquí ni de allá". Una expresión que a menudo se ha usado para describir un sentimiento de desarraigo y de no pertenecer a ningún lugar. Busco que las personas se vean representadas y que otros vean una perspectiva diferente del mundo que compartimos.
2022-23 ARTISTAS RESIDENTES
GREG AIMÉ
Soy un creador de imágenes que combina medios digitales y tradicionales y que actualmente intenta comprender el mundo y a las personas que lo habitan mediante la traducción visual a color, valor, bordes y líneas 2D. Últimamente, mi trabajo se ha centrado principalmente en dos cosas: meditaciones silenciosas sobre los objetos que tocamos a diario y los lugares en los que vivimos, y las formas en que cuidamos nuestras representaciones cotidianas de la identidad a partir de imágenes didácticas familiares y culturales en constante cambio.
Mi trabajo, en esencia, es un viaje de autodescubrimiento. Exploro la dinámica de mi cultura y cómo afecta mis relaciones con mi familia, amigos y la sociedad. Este proceso me ha ayudado a sanar, fortalecido mi espiritualidad y me ha llevado a descubrir cosas sobre mí misma que de otro modo tal vez nunca habría descubierto. A través del collage y otros medios, mi objetivo es generar conversación sobre los descendientes de la diáspora, mostrando la historia, la realeza, el legado y la tradición afroamericana. Espero minimizar la falta de conocimiento y la falta de empatía con nuestra rica cultura e historia para que tengamos una autoestima incuestionable. Ponte mi lente y disfruta de este viaje conmigo.
LILY MORGAN
Lily Morgan es educadora de arte y pintora, residente en Norwalk, Connecticut. Su obra explora la relación entre la abstracción, la geometría y el realismo. Sus pinturas se construyen capa por capa y su complejidad aumenta a medida que se acercan a la superficie.
En mi obra, me esfuerzo por encontrar el equilibrio entre elementos contradictorios, impulso e intención, así como fantasía y peso. En la mayoría de mis piezas, empiezo mezclando una gama de colores para cubrir la superficie. Las marcas iniciales son fluidas e intuitivas y se vuelven más deliberadas con el tiempo. Estos primeros pasos en la construcción de una superficie son tan importantes para mí como la representación del objeto en las pinceladas finales.
Me da un placer extra crear obras con colores y objetos intencionadamente divertidos, pero representados de forma que invitan al espectador a dedicarles más tiempo. ¡Nada dice "no te lo tomes en serio" como un montón de bolas de discoteca sobre un fondo rosa fucsia! Sin embargo, descubrirás que el tema se toma MUY en serio al pintarlo, prestando atención a cada sombra, luz reflejada y cada sutil cambio de tono.
TIARA TRENT
Tiara Trent is an african-american multimedia artist who tells visual dreamlike stories from her heart and imagination. Tiara was born and raised in Bronx, NY, but has made Norwalk, CT her home in the past six years and has integrated herself in the local arts community. Her preferred media consists of ink, paint, digital painting software, and anything else she can get her hands on. Tiara is currently a Studio Arts major at Norwalk Community College and her biggest dream involves becoming an illustrator and animator like her biggest influence, Hayao Miyazaki. Tiara’s artwork presents themes of relationship with self, the black female identity, beauty, and spirituality.
"Using a broad variety of traditional and digital media I create visual atmospheric stories from my mind's eye. My artwork presents themes of relationship with self, the black female identity, beauty, and spirituality. My concepts often come from my own experience not only because it’s what’s familiar to me but also because I see my artwork as an extension of myself. Although my artwork has some somber undertones I see my process of making art as a ritual of self love. It’s a way for me to expel heavy emotions from my mind and through my body in a healthy way.
The act of creation has always made me feel so alive. I wanted to be engulfed in that feeling of passion. I craved it so much that I knew I wanted to have an artist lifestyle at a very young age. I wanted to breathe art and I was blessed to come from an encouraging family that realized how serious I was. I grew up in a small household consisting only of myself, my mother, and my sister. Although they weren’t visual artists they loved to write and tell stories and they inspired me to tell stories in my own way. My artwork is a deeply personal conversation that I’m having with myself and with the viewer. As the artist, I often add a layer of ambiguity to my work so that I can encourage the viewer to use their imagination and interpret their own story from my artwork in hopes that we can relate and connect to each other."
2021-22 RESIDENT ARTISTS
Francisco Mandujano
Me encanta lo que hago y mi objetivo es enseñar a otros cómo crear miniaturas y construcciones de terreno a través de técnicas simples y materiales baratos que encontramos a nuestro alrededor, como tapas de botellas, tapas, cartones de leche, palillos de dientes, etc.
La mayor parte de mi inspiración proviene de los videojuegos y dibujos animados que solía jugar y ver cuando era niño, como Dragon Quest, Dark Souls y One Piece.
Una de mis formas favoritas de crear ahora es reciclar objetos y convertirlos en algo único. Esto es algo que aprendí de niño, ya que no tenía mucho de qué ocuparme. He convertido espuma de embalaje en templos y ramas de árboles comunes en fortalezas. Lo que hago
Mi imaginación es el único límite. Recientemente también me he adentrado en el mundo de Dungeons and Dragons y otros juegos de rol de mesa que me dan una excusa más fuerte para seguir creando.
Incluso creé un canal de YouTube dedicado a enseñar a la gente a crear su propio terreno para el juego. Me gusta pensarlo como si fuera ajedrez, pero primero hay que crear el tablero y las piezas. El canal fue tan importante para mí como para mi público. Les enseño a crear cosas que nunca habrían imaginado que podrían hacer por sí mismos. Al mismo tiempo, me han dado una razón para seguir trabajando en mi arte y permitir que mi habilidad evolucione en el proceso.
Mis planes para el futuro son simples: espero convertirme en artista. Espero que mis sueños y ambiciones me lleven adonde quiero llegar. Seré feliz viviendo cómodamente haciendo lo que me apasiona. Espero inspirar a otras personas a ser artistas también. A vivir una vida feliz y a nunca perder esa capacidad de asombro que tenían de niños.
LORENA SFERLAZZA
Lorena Sferlazza (ella) es una artista visual y educadora de Norwalk, Connecticut, cuyo trabajo aborda la dinámica de la vulnerabilidad y los efectos del impacto ambiental a través de la pintura, el dibujo y la fotografía. Lorena obtuvo una maestría en Bellas Artes (MFA) en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania (PAFA), una licenciatura con honores en el College of the Holy Cross y certificados de estudios de la Università degli Studi di Firenze y la Libera Accademia di Belle Arti en Florencia, Italia.
Su obra se ha publicado en la revista Create! y se ha exhibido en el noreste de Estados Unidos e Italia, concretamente en Nueva York (Galería Anna Zorina, Sotheby's), Filadelfia (Galería Paradigm, Torre FMC, Muelle de Cherry Street, Galerías del Museo PAFA, The Plastic Club, Galería Twenty-Two), Worcester (Galería Iris y B. Gerald Cantor, ArtsWorcester), Hartford (Galería Silpe), Delaware (Art Loop Wilmington), Condado de Fairfield (Ayuntamiento de Norwalk, antiguo Centro de Artes de Westport, Oficina del 4.º Distrito Congresional de Connecticut en Bridgeport) y Florencia, Italia (LABA). Lorena ha recibido una beca al mérito de PAFA, la beca para artistas del Whitney Smith Gift Fund y la beca Charles A. Dana de Holy Cross, un premio Northeastern US Gold Portfolio de Scholastic, Inc., un premio Portfolio Award of Excellence de Lyme Academy y la beca Kevin M. Eidt Memorial del Kevin's Fund.
Mientras trabaja como Artista Residente del Espacio de Arte de Norwalk, Lorena trabaja en el área de educación del Museo de Arte Contemporáneo Aldrich, desarrollando programas de aprendizaje interactivo para todas las edades y capacidades. También colabora en diseño creativo para empresas locales de fotografía y cuenta con una amplia experiencia en docencia, investigación y administración para museos, casas de subastas, galerías e instituciones académicas. Lorena ha sido cofundadora y miembro de la junta directiva de Kal-Pa-Vriksh "The Giving Tree", organización sin fines de lucro 501(c)3 en Norwalk desde 2011.
REMY SOSA
I learned how to draw from my mother who was an architect but really got into art after learned I could draw with an eraser. I've always loved making art and even found it helped with stress and anxiety. As a shy young girl, I was raised in a man-dominant environment where I couldn't speak unless spoken to and could never raise my voice. I learned to speak through lines and colors. Art is the way I scream. It's my language. I guess I always knew my future was going to be around art.
I've been focused on doing portraits of people who I know and even those who I don't. And even though the subject is often alone it is never small. I believe that being in emotionally intelligent gives a sense of power and growth. Because how would you know the good without the bad?
Emily Teall
Emily Teall (Licenciatura en Bellas Artes, Universidad de Cornell, promoción 2016; Maestría, Universidad de Columbia, promoción 2018) es una artista multimedia residente en Connecticut con un interés particular en la escultura y la instalación artística. Mi carrera artística comenzó con un interés y curiosidad por la naturaleza desde la infancia. Los elementos orgánicos siguen impulsando mis obras. Mi obra actual también se nutre de experiencias con la ansiedad social y del papel del cuerpo en la identidad (particularmente la femenina). He expuesto en diversas exposiciones colectivas en Riverside, Connecticut, mi ciudad natal y sus alrededores; en la Universidad de Cornell, donde obtuve mi Licenciatura en Bellas Artes; en la Universidad de Columbia, en una exposición comisariada por Gregory Amenoff; en Nueva York; y en Hudson, Nueva York. He colaborado estrechamente con la artista de instalaciones Angiola Churchill y con la pintora Christina Burch.
Además de desarrollar una práctica artística personal a través de exposiciones y la participación en colectivos artísticos, actualmente imparto una amplia variedad de cursos de artes visuales y diseño para estudiantes de 5.º a 12.º grado en el campus de Greenwich de Fusion Academy. Me apasiona especialmente combinar los derechos humanos con las artes y la educación artística; mi tesis de maestría, titulada "Realizando el derecho a la educación de los niños sin hogar de Nueva York: Identificando y eliminando barreras", se centró en la educación de jóvenes sin hogar.
Becarios KORRY 2024-25
Juanita domingo
Como curadora independiente, productora cultural y afrofuturista, me comprometo a explorar la intersección del arte y la cultura negra, ofreciendo una perspectiva sobre el pasado, el presente y el futuro de la diáspora africana. Mi obra fusiona imaginación, diseño y arte social práctico, con el objetivo de reimaginar narrativas y reivindicar identidades culturales.
Mi práctica curatorial crea plataformas para que artistas negros exploren temas de identidad, historia y futuros especulativos. Mis exposiciones no son solo muestras de talento artístico, sino también espacios para el diálogo, la reflexión y la participación comunitaria.
Creo que el arte no debe limitarse a las paredes de las galerías; debe impregnar la esencia de la sociedad, desafiando las normas y fomentando la inclusión. Mi enfoque curatorial trasciende los límites tradicionales. Me involucro profundamente en todos los aspectos de mis exposiciones, desde el diseño hasta la instalación, y mi objetivo es crear experiencias inmersivas que inviten al espectador a imaginar nuevas posibilidades. En mi práctica curatorial, amplifico las voces históricamente marginadas, ofreciendo una plataforma para que los artistas negros cuenten sus propias historias a su manera, celebrando la riqueza y diversidad de la cultura negra.
Lauren Clayton
Lauren Clayton es una artista y diseñadora gráfica residente en Stamford, Connecticut. Estudió en la Cooper Union School of Art de Nueva York antes de fundar su empresa de arte y diseño, Studio 162, en 2003. Con los años, ha crecido hasta ofrecer diversas soluciones creativas, desde diseño web para Playtex hasta murales por encargo para GE Appliances. En los últimos años, Lauren se ha centrado especialmente en colaborar con organizaciones sin fines de lucro, cuya misión apoya con arte y diseño impactantes. En sus intrincados dibujos a lápiz y collages, Lauren explora ideas de identidad, conectividad y nuestro impacto en la comunidad y más allá. Disfruta del uso de paletas monocromáticas yuxtapuestas con toques de colores vibrantes.
Las palabras y el simbolismo se entrelazan a menudo en su obra, invitando a la gente a acercarse y reflexionar con curiosidad. Su obra se ha exhibido en el área triestatal, Washington, D. C., y en Miami durante la Semana del Arte. Participa en iniciativas de impacto y dirección creativa para organizaciones locales y participa activamente en su comunidad, asesorando a estudiantes de arte y, anteriormente, formando parte de juntas directivas locales.
Dooley-o
El legendario rapero, productor y artista de grafiti de Connecticut, "DJ Dooley-O", es ampliamente reconocido en el mundo de los DJs como el primero en el hip-hop en samplear "It's A New Day" de la desconocida banda de los 70, Skull Snaps, y como productor de los videos de grafiti underground GTV. Criado en las calles de New Haven, Dooley-O nunca tuvo la oportunidad de participar en un programa o escuela de arte. Un día, entró en un centro de arte buscando ayuda y nadie respondió a su llamada. Así que, al sentirse rechazado, decidió que las calles serían su lienzo. Tras forjarse una reputación, Dooley es ahora ganador del premio al Artista del Año, con su propio estudio de arte, y colabora en la curaduría del Mercado de Arte de Westville y el Paseo del Arte.
Paige Mostowy
Los artefactos del pasado de mi familia no eran objetos ni lugares, sino historias. Fluctuaban al pasar de persona en persona hasta que, finalmente, esas semejanzas reconstruidas se convertían en verdades. Entrelazando el paso del tiempo con la petulancia de la perspectiva, cuestiono cómo la historia de una persona impacta su capacidad de participar en un presente coherente cuando está imbuida de un trauma generacional. Exploro los paralelismos y las paradojas entre los lapsos de memoria, la percepción y la asociación de objetos reparando artefactos desechados que previamente permearon la ontología de una persona o familia. Las reparaciones y conexiones que establezco acentúan las fracturas o los bordes desgastados que parecen desprovistos de la preciosidad que una vez tuvieron. Estas antiguas reliquias se recomponen, reconfiguran y alteran aún más para crear semejanzas de un todo en un débil intento de reparar lo que una vez se perdió. Al igual que cuando la muerte o el divorcio disuelven a una familia, un miembro a la vez, estos objetos son incapaces de volver a su estado anterior al trauma. Representante de las emociones, con la capacidad de inundar internamente a una persona y su perspectiva, el efecto residual de los objetos y sus asociaciones dispersa nombres e incidentes con el paso del tiempo y las impresiones se desvanecen. A medida que las perspectivas cambian con el tiempo, las circunstancias tejen las historias de los individuos, que nunca serán vistas ni contadas de la misma manera dos veces. Cada idea, momento y afecto se construye continuamente sobre lo que una persona ha creado o, lo que es igual de importante, ha decidido abandonar.
Becarios KORRY 2023-24
ISABELLA MONTENEGRO
El tiempo lo es todo. Sin embargo, el problema con el tiempo es que no puedes controlarlo. El reloj no se detiene, no puedes retroceder en el tiempo ni avanzar rápidamente. El reto con el tiempo es abrazar plenamente el estar aquí, presente, en el momento. Me ha llevado tiempo aprender a mantener la cabeza alta y los ojos abiertos porque nunca se sabe con quién te puedes encontrar, qué oportunidades se te pueden presentar, dónde podrías terminar y tu porqué. Mi porqué es inspirar a quienes me rodean a observar con atención, tomarse un segundo y absorberlo todo. No hay mejor momento que ahora.
AISHA NAILAH
Aisha nació y creció en Bridgeport, Connecticut, y actualmente es miembro y residente de Reads Artspace. Tiene una licenciatura en arteterapia y es maestra certificada de educación especial y artista docente. Es una artista multidisciplinaria. Se centra principalmente en obras multimedia abstractas y figurativas abstractas, y recientemente ha añadido murales y arte público a su lista de habilidades. Combina su pasión por el color y la textura, trabajando a menudo telas y papel en sus piezas, además de usar pintura y tinta. Su trabajo se centra principalmente en el sentimiento, el color y la vitalidad espiritual de la composición. Aisha se siente muy inspirada culturalmente por ser una mujer de la diáspora africana de ascendencia costarricense y por el arte callejero, especialmente por las formas y colores libres que se encuentran en los estilos y movimientos caligráficos. Aisha comenzó a exhibir su arte en 2010. Desde que se involucró en el arte, ha comisariado múltiples exposiciones a gran escala en Reads Artspace, exhibiendo a nivel nacional e internacional. También se desempeñó como comisaria en la galería BLENDS en Bridgeport de 2017 a 2019.
CARLOS RM
Carlos RM nació en Bogotá, Colombia, el 9 de marzo de 1981. Creció en Villa del Prado, un barrio a las afueras de la ciudad, con sus dos hermanas mayores. A los 9 años, sus padres lo inscribieron en clases de pintura al óleo con la artista María Elena Gallo. En 1994, debido a la inestabilidad del país en ese momento, su familia decidió mudarse a Estados Unidos. En 1997, después de visitar el estudio del artista Miguel Malgaret, Carlos se inspiró para dedicarse al arte como carrera. De 1998 a 2002, Carlos trabajó y estudió en el estudio de Malgaret. En 2012, Carlos se mudó a la ciudad de Nueva York, donde se inscribió en la clase de Robert Cenedella en la Art Students League de Nueva York, mientras trabajaba como manipulador de arte para galerías de arte, museos y casas de subastas. En el verano de 2020, debido a la pandemia, Carlos se mudó de la ciudad a la cercana ciudad de Norwalk, Connecticut, donde pinta a tiempo completo.
Becarios KORRY 2022-23
Jerri Graham
Jerri Graham es una fotógrafa y escritora que se estableció en Westport, donde vive con su hija y una casa con mascotas. Capturar la vida a través de imágenes ha sido su lenguaje durante más de 35 años. Jerri, fotógrafa con formación gubernamental, comenzó a fotografiar en su adolescencia con su padre, quien le enseñó la importancia de "contar toda la historia" a través de imágenes.
A lo largo de los años, la Sra. Graham se ha dedicado a la escritura, la radio, la edición, la docencia, la emprendimiento gastronómico y la fotografía independiente en tres continentes. A través de su lente, captura la vida tal como la ve y las historias que quiere contar. Desde la fotografía callejera hasta sus retratos de lo conocido y de lo desconocido para pocos, su prioridad sigue siendo la misma: retratar la auténtica experiencia humana, a través de los destellos de luz y vida que ve a través de su lente. Concibe a sus sujetos como arte en la vida e insiste en que cada uno de nosotros merece ser expuesto y escuchado.
La Colección de Artes Permanentes de Westport adquirió recientemente dos impresiones de la Sra. Graham y ella vende fotografías callejeras de edición limitada a coleccionistas privados de la región.
Como becaria Korry, Jerri espera crear una unión entre sus imágenes y sus palabras en una exposición de narración multisensorial donde el sonido, la historia y las imágenes cobran vida.
SUSAN HARDESTY
Susan ha comisariado exposiciones durante muchos años. Empezó en el Instituto de Arte y Recursos Urbanos, The Clocktower y PS 1, espacios alternativos, promoviendo a artistas jóvenes y emergentes. Tras un año estudiando arte en Roma, Susan regresó a Nueva York y trabajó como secretaria del Programa de Arte de The Chase Manhattan. Pronto se convirtió en comisaria y viajó por todo el país e internacionalmente, visitando artistas locales y adquiriendo obras para las oficinas regionales de Chase. También comisariaba exposiciones itinerantes de la Colección Chase.
Susan trabajó en el Centro de Artes Silvermine como directora de galería, pero pronto dejó el puesto para abrir una asesoría artística con un socio. Trabajaron con coleccionistas privados y grandes corporaciones, como Sony y Cadbury. Mientras trabajaba como consultora, Susan dirigió los programas de arte locales para Mustard Seed y Side By Side.
Durante los últimos 20 años, Susan fue Directora de Exposiciones y Colección en Norwalk Community College. Curó e instaló más de 200 exposiciones.
SARAH KING
Sarah King es pintora, escultora e ilustradora de libros infantiles y vive y trabaja en Stamford, Connecticut. Actualmente explora el tema en constante evolución de la maternidad a través de diversos medios, todos basados en la observación y sus propias experiencias.
IYABA MANDINGO
Me siento honrado de ser becario Korry. Este reconocimiento representa otra muestra de aliento y apoyo por parte de mis compañeros y otros amantes del arte. Siempre me ha impresionado el colectivo de artistas del condado de Fairfield. El Espacio de Arte de Norwalk es una oportunidad para reunir estos talentos y atraer la atención nacional a nuestro estado, para inspirar a todos los artistas locales emergentes que a menudo imaginan tener que dejar Connecticut para darse a conocer. Soy hijo de un profesor de Arte e Inglés de Stamford que vio más allá de los estereotipos de mi grupo demográfico para animar a un niño inmigrante tímido a explorar su imaginación. Quiero seguir compartiendo ese don.
Becarios KORRY 2021-22
KELLY ROSSETTI
Kelly Rossetti es una pintora abstracta y figurativa contemporánea residente en Westport, Connecticut. Si bien es principalmente autodidacta, estudió pintura al óleo clásica en un pequeño taller de Nueva York, donde, según ella, obtuvo sus bases y su pasión por la figura. Kelly trabaja tanto con acrílico como con óleo y a menudo utiliza diversas técnicas mixtas para lograr profundidad, textura y trazos.
JAHMANE
La carrera de JAHMANE como artista comenzó en forma de "Graffiti" y ha evolucionado hacia un amplio espectro de medios que incluyen obras sobre lienzo, fotografía, diseño de moda, serigrafía, diseño gráfico, murales a gran escala y diseño de interiores.
LIZZY ROCKWELL
Lizzy Rockwell ilustra numerosos libros y juegos infantiles, y es autora e ilustradora de "Good Enough to Eat: A Kid's Guide to Food and Nutrition", "The Busy Body Book: A Kid's Guide to Fitness", "Plants Feed Me", "A Mammal Is an Animal" y "How Do You Feel?". Lizzy colaboró con su madre, la difunta autora e ilustradora Anne Rockwell, en "Manzanas y Calabazas" en 1989 y, más recientemente, en "Senderismo Day".
Tara Blackwell
Tara Blackwell es una artista pop de técnica mixta que trabaja entre Connecticut y Nueva York. Criada en un hogar de artistas, Tara se sumergió en diferentes estilos y modalidades artísticas desde muy joven. Experimentando con diversos medios y técnicas, Tara emplea colores vibrantes, capas y texturas, incorporando a menudo la nostálgica cultura pop para explorar temas sociales contemporáneos.
JOSÉ FUCIGNA
Joseph Fucigna es un artista multimedia cuyo trabajo se basa en el proceso, el juego y las cualidades innatas de los materiales utilizados. A través de la experimentación, el juego y la innovación, crea esculturas conocidas por su capacidad para transformar materiales, su ingenio y sus temáticas singulares pero sugerentes.
SCULPTURE GARDEN
Nuestro jardín de esculturas, comisariado por Yvonne Shortt, busca ser un vínculo dinámico entre el museo Norwalk Art Space y la comunidad adyacente. El jardín busca inspirar la interacción y la conversación en un entorno artístico y acogedor. Contamos con una escultura permanente y tres esculturas rotativas que cambian cada dos años. La escultura permanente del artista Gilbert Boro, residente en Connecticut, "After the Race III", evoca recuerdos de la navegación en el estrecho de Long Island. Fue seleccionada en parte por la pasión de nuestra fundadora, Alexandra Korry, por la navegación con su esposo e hijas. "After the Race III" es una construcción dinámica de acero soldado, cuyas elegantes superficies curvas se elevan 4,8 metros hacia el cielo. Los planos que se entrecruzan dinamizan los espacios negativos y positivos alrededor y dentro de la escultura. Las placas de acero, cuidadosamente elaboradas, están pintadas de un naranja vibrante, creando un ambiente que refleja la luz y la energía del día o de la noche. La serie de esculturas "After the Race" de Gilbert Boro se desarrolló tras muchos años de navegación y participación en regatas y carreras de vela. El Sr. Boro ha tenido una distinguida trayectoria como escultor, arquitecto, educador y consultor internacional de diseño. Su escultura se centra en la interacción entre el espacio, el lugar y la escala. Utiliza diversos materiales, incluyendo el acero; en este caso, la altura de la escultura de 4,8 metros busca redefinir nuestro edificio como centro artístico. La aclamada obra del Sr. Boro se ha exhibido en museos y galerías de Estados Unidos y Europa.
La segunda escultura seleccionada, "Tulip Bulb", es de la artista Emily Teall . La Sra. Teall es una artista multimedia con especial interés en la escultura, la pintura y la instalación artística. Su obra actual se inspira en experiencias con la ansiedad social y el rol del cuerpo en la identidad (particularmente la femenina). La Sra. Teall también forma parte de la primera promoción de Artistas Residentes del Espacio de Arte de Norwalk.
"Tulip Bulb" de la Sra. Teall se inspira en imágenes naturales de bulbos y úteros para evocar un período de gestación en el que la participante puede crecer mediante la introspección y la reflexión antes de reintegrarse a la comunidad. En nuestro entorno actual de polarización política y aislamiento comunitario, las paredes perforadas de "Tulip Bulb" ofrecen un espacio semipermeable que anima a la participante a mirar hacia dentro, manteniendo la expectativa de reincorporarse a la comunidad.
Pintura acrílica para acero y exterior.
2019
8'x6'x5.5'
Nuestra curadora, Yvonne Shortt , es una de las tres escultoras rotativas seleccionadas. La Sra. Shortt es una artista de instalaciones públicas que crea obras centradas en la cultura afroamericana a través de su serie titulada "Marmolización afroamericana: Un acto de desobediencia civil". Actualmente, tiene más de 30 instalaciones de arte público en exhibición en el área triestatal y está construyendo un barco para recolectar arcilla de ríos y arroyos y narrar narrativas afroamericanas.
"Afro Pick: Don't Go, Don't Grow" de la Sra. Shortt se inspira en sus propias experiencias como madre e hija. Representa un momento de transición, de asumir la responsabilidad y soltar. Lo hace utilizando un objeto con una rica historia cultural de más de 5500 años de antigüedad.
*La pieza superior del mango de la púa afro cambiará de vez en cuando para celebrar mis narrativas afroamericanas, así que sigue visitando.
Nuestra tercera escultura se titula "Shotgun Home" de Margaret Roleke.
Margaret Roleke es una artista contemporánea de medios mixtos radicada en Brooklyn y Connecticut. En 2020, recibió una beca de la Comisión de Artes de Connecticut y becas para proyectos de arte público en el Taller de Artes Creativas de New Haven y el Distrito Verde de la Ciudad de New Haven. Realizó una residencia en Governors Island, Nueva York, a través de la organización 4 Heads, desde mediados de agosto hasta mediados de noviembre de 2021.
Roleke ha realizado exposiciones individuales en Real Art Ways, Hartford, Connecticut; Pen+Brush Gallery, Nueva York; AHA Fine Art, Nueva York; y Norwalk Community College, Norwalk, Connecticut, entre otros. Su obra ha formado parte de exposiciones en The Aldrich, el Museo de Arte Katonah, Art Space New Haven, la Galería ODETTA y Ethan Cohen (Kube), entre otros espacios. Roleke ha participado en ferias de arte como Spring Break, Pulse, Scope, Governor's Island, Cutlog, Flux, 14c, Fountain y Verge.
Estados Unidos enfrenta grandes desafíos: racismo, violencia armada, calentamiento global y un ataque a la verdad. Mi obra es una respuesta urgente a estos problemas y un llamado al diálogo. Recientemente, comencé a crear cianotipos que exploran las protestas de Black Lives Matter y los efectos de la pandemia. Durante la presidencia de Trump, realicé obras que imploraban compasión a través de estructuras tipo jaula que aludían a las cárceles utilizadas para albergar a hombres, mujeres y niños inmigrantes en la frontera sur. Vivir cerca de la Escuela Primaria Sandy Hook, escenario de un tiroteo masivo en 2012, inspiró esculturas hechas con cartuchos de escopeta, y hasta el día de hoy, dono un porcentaje de todas mis obras vendidas a organizaciones que trabajan por el control de armas. Me muevo entre estos temas creando esculturas, instalaciones y grabados que instan a actuar contra la injusticia.
Escopeta Inicio 2021
Estructura de acero, cartuchos de escopeta usados, cable, bridas, cerca, espejo, cinta de precaución
6'6" de alto x 4'6" de ancho x 4'10" de profundidad
Esta pieza busca iniciar un diálogo sobre las armas, el control de armas y la violencia armada en Estados Unidos. El artista dona una parte de todas sus obras vendidas a organizaciones que trabajan para erradicar la violencia armada.
