ARTISTAS RESIDENTES + BECARIOS KORRY
El Norwalk Art Space ofrece cuatro residencias artísticas anuales, con una duración de un año (del 1 de junio al 31 de mayo), a artistas meritorios residentes en Connecticut. Los candidatos ideales son artistas noveles o con una trayectoria consolidada que necesiten un espacio de estudio y tengan un gran interés en la docencia, el desarrollo comunitario y la mentoría de jóvenes. Se dará prioridad a los artistas pertenecientes a grupos históricamente subrepresentados.
Los artistas residentes disfrutan de una residencia en ADK House durante un año, que incluye un estudio gratuito, espacio de exposición en nuestra cafetería, una exposición colectiva en nuestra galería principal y la oportunidad de participar en todos nuestros programas. A cambio, los artistas residentes imparten una clase de arte semanal cada semestre.
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ARTISTAS RESIDENTES 2026-27
KRISTIN ARMANI HILL
Kristin-Armani Hill es una artista visual nacida en Nueva York y residente en Stamford, cuya obra explora la intersección entre lo celestial y lo terrenal. Trabaja principalmente con óleo y acrílico, creando pinturas que fusionan lo femenino con lo sublime, inspirándose en la pintura renacentista, los mosaicos bizantinos, la ornamentación islámica y el mundo natural.
Su práctica artística se ha visto profundamente influenciada por sus experiencias de estudio en Italia y sus extensos viajes por Europa y Marruecos, donde el contacto con la arquitectura sagrada, las tradiciones del mosaico y el diseño ornamental transformaron su lenguaje visual. A través de un simbolismo exuberante, colores vibrantes y narrativas complejas, sus pinturas invitan al espectador a mundos imaginarios que exploran la belleza, la espiritualidad, la mitología y el asombro.
Además de su trabajo en el estudio, Kristin está cursando una Maestría en Administración Pública en la Universidad de Connecticut, tras haberse licenciado con honores en Ciencias Psicológicas. Su interés por la psicología, la historia del arte y la administración de museos influye tanto en su obra creativa como en su objetivo a largo plazo de contribuir a museos e instituciones culturales mediante la curaduría y el liderazgo organizacional. Como artista residente en The Norwalk Art Space, su meta artística es crear su primera colección, la cual tendrá una clara línea temática y conceptual.
sitio web: https://www.kristin-armani.com/
Alexa luft
Soy una artista multidisciplinar, nacida y criada en el condado de Fairfield y actualmente residente en Black Rock, Bridgeport. Me encanta crear collages y pintar al óleo y acrílico. Mis pinturas de técnica mixta se inspiran en historias, lugares y las diversas experiencias que nos moldean.
Con una sólida formación en teatro y educación, mi trayectoria artística se ha desarrollado como un collage: muchos roles, disciplinas y experiencias diferentes convergen en torno al hilo conductor de ser artista. En mis primeros años de adultez, estudié actuación en la Universidad de Belmont y en la Universidad Estatal del Sur de Connecticut antes de decidir cambiar mis "roles", pasando de ser principalmente actriz de teatro musical a artista con múltiples vías de expresión creativa. En los últimos años, me he dedicado a perfeccionar mis habilidades de dibujo y pintura al óleo a través del Programa de Maestría de Milán.
Programa (en línea). Paralelamente a este estudio especializado, he trabajado como instructora de pintura en Muse Paintbar. Actualmente también trabajo como asistente de educación especial y recientemente desarrollé un programa de introducción al teatro para niños de kínder a segundo grado en Newtown Stage Company.
Durante mi residencia en The Norwalk Art Space, espero tener la oportunidad de...
Un espacio dedicado a cultivar mi propia obra de forma coherente. Me atrae especialmente el sentido de comunidad del Espacio de Arte y la increíble oportunidad de inspirar y guiar a jóvenes artistas. Para mí, la alegría del arte reside en el proceso; es esencial para nuestra expresión, sanación, transformación y conexión.
LOLA CARLANDER WADE
Lola Carlander Wade (ella/suya) es una artista conceptual nacida en Suecia que se mudó a Nueva York en 2022 y posteriormente a Connecticut en 2024. Trabaja principalmente en escultura, inspirándose en la vida cotidiana y los objetos, utilizando materiales como arcilla, vidrio, hilo, papel y tela para transmitir tanto fragilidad como resiliencia, a la vez que los lleva al límite. Su obra se presenta a menudo como instalaciones que combinan escultura, texto, gráficos y vídeo.
Con raíces en la investigación psicológica, filosófica y social, la práctica de Carlander Wade explora los sistemas que construimos como protección y guía: mecanismos de autodefensa, rutinas, hábitos y estrategias de recuperación que ofrecen consuelo, apoyo y orientación, a la vez que nos ayudan a mantener la cordura. Cuestiona dónde se traza la línea entre apoyo y control, entre lo que sostiene y lo que asfixia. Su obra explora los umbrales donde los extremos se desdibujan e intercambian lugares: libertad y confinamiento, perfección e imperfección, significado y futilidad, enfermedad y salud, lo esencial y lo superfluo.
Mediante procesos meticulosos y deliberadamente laboriosos —repetición, deconstrucción, reparación, azar y refinamiento— que se sitúan en la frontera entre la destrucción y la reparación, explora estas posiciones intercambiables.
Carlander Wade es licenciado en Bellas Artes por la Academia de Bellas Artes de Umeå, Suecia, y posee una maestría en Bellas Artes por la Parsons School of Design, The New School, Nueva York, EE. UU.
MATTHEW SHELLY
Matthew Shelley (n. 1983, Ashland, OR) es originario del noroeste del Pacífico y estudió en la Universidad de Oregón. Obtuvo su maestría en Bellas Artes en la American University en 2010. Su obra se ha exhibido en todo Estados Unidos y forma parte de colecciones internacionales y regionales, como la del Programa de Residencia Nes en Islandia y la del Museo de Arte de la American University en Washington, D.C. De 2012 a 2015, impartió clases de pintura, dibujo y diseño visual en la Universidad de Moravia. Actualmente, Shelley es profesor visitante adjunto en la Universidad de Fairfield. Entre sus exposiciones recientes se incluyen muestras en galerías de Nueva York, Los Ángeles y la Escuela de Diseño de Rhode Island. Matthew reside y trabaja actualmente en Norwalk, Connecticut.
2023-24 ARTISTAS RESIDENTES
GABRIELA ESQUIVEL
He residido en Norwalk desde los cuatro años. Estudié diseño gráfico en el CT State Community College de Norwalk y posteriormente continué en SUNY Purchase, donde estudié Escultura y Grabado.
Tengo experiencia con formas de arte tanto digitales como físicas. He trabajado con pintura digital, programación de microcontroladores y modelado 3D. Mi experiencia con técnicas tradicionales, como se mencionó anteriormente, incluye escultura y grabado, así como pintura y dibujo. En Purchase, descubrí que lo que me atrae de la escultura y el grabado es su gran complejidad. El resultado final puede variar significativamente según el material y puede implicar la resolución de muchos problemas durante el proceso. El desafío y la complejidad que conllevan es lo que tanto me gusta de ellos.
Disfruto experimentando con diferentes temas y materiales, pero a menudo encuentro inspiración en lo cotidiano. A veces, a través de la elección de materiales, como retazos u objetos encontrados. A veces, a través de mis temas, como animales comunes (perros, gatos, palomas, peces, etc.), así como figuras humanas y plantas, me gusta tomar cosas familiares y subvertir o amplificar cómo las percibimos habitualmente, a menudo con un estilo lúdico. Es mi forma de encontrar la belleza y la alegría en lo cotidiano. Me gusta resaltar la alegría que yo u otras personas sentimos al ver algo en la vida cotidiana que fácilmente puede pasar desapercibido.
DEVIN LONG
Crecí en Norwalk, Connecticut, con una temprana afinidad por el arte. En 2018, obtuve una Licenciatura en Bellas Artes (BFA) en el MICA, especializándome en Pintura y concentrándome en Sostenibilidad y Práctica Social. Durante mi estancia allí, estudié en Florencia, Italia, y expuse en una exposición colectiva en Cartavetra. En mi último semestre, tuve la humilde oportunidad de que Amy Sherald criticara mi tesis.
Desde mi regreso a Connecticut, he impartido clases y trabajado para organizaciones artísticas sin fines de lucro, como el Museo de Arte Contemporáneo Aldrich. Durante dos años consecutivos, mi obra se incluyó en la Exhibición Fl3tch3r, una exposición social y política internacional que se celebra anualmente en Tennessee. En 2024, los artistas participantes provocaron indignación entre los políticos de Tennessee, atrayendo la atención nacional cuando nuestras obras de protesta fueron finalmente censuradas.
Mis obras de arte político reflejan mi realidad como estadounidense desilusionada. Comencé a expresar esta perspectiva materialmente después de que la Corte Suprema anulara el fallo original de Roe contra Wade en 2022. Desde ese verano, me he propuesto subvertir y recuperar los símbolos de la derecha alternativa.
Paralelamente, pinto imágenes hipnagógicas. A finales de 2016, comencé a experimentar la hipnagogia y a plasmar estas visiones en pintura, concibiendo la obra como grabaciones de la psique. La hipnagogia —«eventos alucinatorios y cuasialucinatorios que ocurren entre la vigilia y el sueño» (Mavromatis)— es un fenómeno natural que experimenta aproximadamente la mitad de la población humana. Varios artistas destacados, como Agnes Martin, Hilma af Klint y Forrest Bess, también han explorado este espacio liminal. Animo a mis alumnos en The Norwalk Art Space a confiar en su intuición e instintos creativos.
IVONNE MORAN
Ivonne Moran es una ilustradora residente en Connecticut que trabaja tanto con medios tradicionales como digitales. Su arte es delicado, caprichoso y juguetón, a menudo inspirado en la vida cotidiana y experiencias conmovedoras.
Además de su trabajo de ilustración, crea cómics cortos inspirados en sus propias experiencias, ya sean momentos divertidos, momentos tiernos con sus seres queridos o las sencillas vicisitudes de la vida diaria. A Ivonne le apasiona contar historias, enseñar y encontrar la belleza en lo cotidiano. A través de su arte, espera hacer sonreír a la gente, sentirse reconocida e incluso detenerse a apreciar un poco más las pequeñas cosas.
Además de dibujar, dirige una pequeña tienda de pegatinas con la ayuda de sus dos gatos, Mia y Chepo, donde imprime, corta y empaqueta todo a mano. A menudo la encontrarás compartiendo sus creaciones en ferias y mercados locales.
JOSE TORRES
Para mí, crear es un acto de resiliencia—una forma esencial de procesar el mundo y dar sentido a las experiencias personales y colectivas. Mi práctica artística se basa en la narración, la identidad y la exploración de narrativas culturales que durante mucho tiempo han sido marginadas o ignoradas. A través de mi trabajo, me esfuerzo por dar voz a quienes históricamente han sido silenciados, arrojando luz sobre diversas experiencias y fomentando el diálogo que une divisiones. El arte, en esencia, es supervivencia, transformación y comunicación, con el poder de inspirar, desafiar y sanar.
Gran parte de mi trabajo está inspirado en una fascinación de toda la vida por el coleccionismo—un instinto que heredé de mi padre, un inmigrante cuyo enfoque de "hazlo tú mismo" ante la vida nació de la necesidad y la esperanza. Almacenaba objetos por toda nuestra casa, cada uno aparentemente aleatorio pero lleno de significado. Su colección no solo era práctica, sino también profundamente sentimental—un testimonio de su deseo de crear estabilidad en un mundo desconocido. Esta exposición temprana moldeó mi forma de ver y usar los objetos en mi práctica.
Con el tiempo, esta curiosidad se convirtió en indagación artística. Me interesé por las historias, funciones y resonancia emocional de los objetos. Agrupo, organizo y recontextualizo materiales, utilizándolos como base para dibujos, pinturas, esculturas e incluso música. Elementos encontrados y construidos coexisten en armonía, con una carga física y metafórica, creando obras en capas que hablan de la memoria, la cultura y la transformación.
Como artista latino, mi obra está profundamente influenciada por la cultura, la memoria y la historia personal. A través del arte, interactúo con el mundo no solo como es, sino como podría ser.
2023-24 ARTISTAS RESIDENTES
SAMANTHA COSENTINO
Soy pintor y trabajo principalmente con óleo sobre lienzo. Desde que estudié dibujo y grabado en la universidad, he experimentado con diversas formas de arte, especialmente con esculturas de papel maché de gran formato. Aun así, siempre me atrae la versatilidad y las posibilidades del óleo. Suelo esbozar lo que pretendo pintar antes de comenzar una nueva obra, un proceso que me ayuda a perfeccionar la imagen y la composición. Sin embargo, lo más emocionante de pintar para mí es que, independientemente de cómo planifique, algo mágico sucede al mezclar pigmentos sobre el lienzo: añade nuevas capas, figurativa y literalmente, al concepto original, o me guía hacia una nueva dirección.
Las emociones y las conexiones humanas me inspiran. Intento visualizar los entornos internos del ser humano —a menudo el mío propio— y los cuerpos que los albergan. Me da miedo ser vulnerable, pero lo hago de todos modos porque compartir mis experiencias siempre me ha llevado a conexiones significativas. Mi objetivo es abrir un camino hacia la empatía para permitir una comprensión más profunda de nuestra humanidad. Creo que crear y contemplar arte puede ser terapéutico, una forma de procesar sentimientos que van desde la felicidad hasta el dolor, la tristeza y la confusión.
Utilizo imágenes simbólicas y figurativas, líneas expresivas, color y textura para crear escenas para el espectador. Mis temas incluyen la recuperación —lo que me gusta llamar la regeneración del alma—, el amor y los sueños. También me interesa explorar el patrimonio cultural y la identidad.
Emily Curran
Emily Curran (elle/ella) nació y se crió en Norwalk, CT. Emily recibió una
Título de asociado en ilustración del Instituto Pratt en 2017. Tienen su sede en
Emily reside en Bridgeport y trabaja como instructora en la escuela One River en Westport. Es ilustradora y crea obras narrativas a través de cómics y libros ilustrados. Su trabajo abarca desde tonos oscuros con tinta hasta coloridas y originales pinturas al gouache.
Emily siente un profundo amor por su comunidad y le apasiona trabajar con niños. “Mi objetivo con mi trabajo es transformar lo cotidiano en algo mágico, recordarme a mí misma y a los demás que la belleza reside en los momentos diarios. También uso la ilustración para dar vida a la fantasía cuando busco algo más sobrenatural. Para mí, el arte es una herramienta para expresar mis sentimientos y experiencias a través de historias. Me reconforta saber que alguien puede identificarse con algo que he dibujado. Espero publicar mi trabajo en forma de novela gráfica o libro infantil. Siempre he soñado con poder trabajar en un estudio fuera de casa y estoy emocionada por vivir esta experiencia el próximo año. Mi objetivo no es solo vivir de la creación artística, sino también que el arte sea un pilar fundamental de mi identidad. Quiero crear obras que conecten con el espectador y lo transporten a un mundo nuevo. Mi propósito es ilustrar historias con personajes que la gente llegue a amar y apreciar tanto como yo.”
Santo phifer
Sain't Phifer es un artista autodidacta con la extraordinaria habilidad de transformar conceptos sencillos en obras de arte profundas y conmovedoras que despiertan la conciencia. Impulsado por una profunda pasión por la autoexpresión, Sain't ha encontrado consuelo y sanación a través de su trayectoria artística. El arte se convirtió en una poderosa herramienta que le ayudó a afrontar y superar sus dificultades personales.
Invita al espectador a un viaje a través de su obra abstracta y minimalista. Inspirándose en artistas como Basquiat y David Hammons, sus creaciones visuales trascienden los límites convencionales, ofreciendo una experiencia visual única que despierta la imaginación y la introspección más allá del lienzo. Mediante su exploración artística, captura la esencia de sus temas, reduciéndolos a sus elementos fundamentales. Cada pincelada y elección de color conlleva una intención, invitando al espectador a interpretar la obra y conectar con ella a nivel personal.
Viviane Rivas
Viviane Rivas es una ilustradora nacida y criada en Stamford, Connecticut, y graduada del Savannah College of Art and Design con una licenciatura en Ilustración Conceptual. Al crecer en un hogar de inmigrantes, tuvo el privilegio de desarrollar sus propios gustos e intereses en la cultura estadounidense. Por consiguiente, su arte está profundamente inspirado en los desafíos de la vida como joven hispana, lo macabro del terror de principios de la década de 2000 y un sinfín de novelas de fantasía. Su obra tiende a representar temas simbólicos e inconsistentes, presentados mediante contornos y colores llamativos: temas como la vida cotidiana, la fantasía, anécdotas curiosas y personajes imaginarios.
Como joven artista guatemalteca, mi obra refleja las múltiples influencias que han moldeado mi identidad y perspectiva hasta ahora. Me esfuerzo por crear arte que conecte con el espectador a nivel emocional y visceral, utilizando experiencias, símbolos e imágenes que he incorporado a mi lenguaje creativo a lo largo de los años. En mi adolescencia, siempre me maravilló la capacidad creativa de los mundos fantásticos en los que me sumergía, ya fuera en películas o libros. Estas narrativas, junto con las historias increíbles de la infancia de mis padres, alimentaron mi imaginación y me brindaron una perspectiva para explorar y transformarme a mí misma y a mi arte. Al adentrarme en mi subconsciente a través de mi obra, descubro que se convierte en la invitación perfecta para que el espectador se sume a la introspección. Un pilar fundamental de mis convicciones como mujer hispana y artista es el compromiso de romper barreras y desafiar el statu quo. Ya sea mediante la elección de mis temas o el uso de materiales poco convencionales, mi objetivo final es fomentar una mayor empatía y comprensión, tanto en mí misma como en la comunidad en general.
2023-24 ARTISTAS RESIDENTES
MCLEE MATHIAS
McLee Jessie Mathias nació en Stamford, Connecticut. Criado por una madre soltera que emigró de Haití, aprendió el valor del trabajo duro y la perseverancia desde pequeño. Desde que aprendió a tocar la trompeta en la primaria, su pasión por la música y las artes se avivó. Primero fue la música, luego la fotografía y ahora está consolidando su carrera en el mundo artístico.
Autodidacta en todos estos campos, su pasión proviene de su ciudad natal, Stamford. Ante la constante advertencia de que tendría que irse para triunfar en la industria, McLee decidió asumir el reto y "dominar su propio dominio".
Ama la diversidad de personas, la socioeconomía, el paisaje y la cultura general de su ciudad natal, y lo aplica a su obra. La materialización de una idea intangible se refleja en todas sus pasiones. Como fotógrafo, trabaja con sus sujetos para dar vida a sus visiones. Como artista, su uso de la multiplicidad de capas es sinónimo de su perspectiva de la vida. Cada persona, lugar o cosa tiene capas, y McLee las saca a la luz. Su viaje acaba de comenzar y, como nuevo Artista Residente en The Norwalk Art Space, solo el tiempo dirá dónde terminarán sus experimentos artísticos. Estén atentos, apenas está comenzando.
BRIE MIYOKO
Brie Miyoko (ella) es una artista plástica y educadora de arte nacida en Connecticut, especializada en pinturas surrealistas con acrílico y óleo. Actualmente, su práctica artística se desarrolla en el área metropolitana de Nueva York, donde se centra en inspirarse en su vida cotidiana.
Recrear fotografías familiares del pasado, honrar a nuestras figuras maternas, abuelos y comunidad, desempeña un papel fundamental en su obra. Además, crea nuevos recuerdos en el presente. Miyoko estudia actualmente en la Universidad de Connecticut-Stamford, donde cursó dos años en la Facultad de Bellas Artes antes de pasarse a Educación Infantil. Su pasión por las artes visuales la ha acompañado desde tiempos inmemoriales. Desde dibujar en los asientos de un autobús escolar en la primaria, vender retratos personalizados de amigos en la preparatoria, hasta realizar exposiciones colectivas en Brooklyn durante la universidad.
Mi obra siempre ha sido un reflejo de mi estado mental y de mi situación vital. Creo que plasmarlo a través de conceptos visuales es fundamental para alguien que nunca ha sido hábil con las palabras ni ha tenido los espacios necesarios para expresarse durante su infancia. Valoro mucho el pincel y el lienzo en blanco en mi vida porque me permiten crear narrativas mejor de lo que yo jamás podré. Mi obra física explora la idea de cómo las mujeres cargan con el trauma en sus cuerpos, por lo que la narrativa es algo que intento emular con frecuencia durante mi proceso creativo. A través de mi obra, exploro las relaciones entre la salud mental, la cultura familiar tóxica , la sexualidad y la influencia del trauma en las relaciones románticas, todo desde la perspectiva de una mujer negra de veintipocos años.
ALEJANDRA GONZÁLEZ ZERTUCHE
Alejandra González Zertuche es una pintora al óleo y educadora residente en Connecticut, originaria de Coahuila, México. Recientemente se graduó de la Universidad Estatal de Texas, donde obtuvo su Licenciatura en Bellas Artes con especialización en pintura. Sus pinturas se centran en las historias y recuerdos de quienes la rodean, así como en su identidad como mexicana residente en Estados Unidos.
A través de mi obra, creo una reflexión consciente y un relato de mi testimonio visual sobre la transformación, la esperanza y la supervivencia en Estados Unidos. Me centro en representar a las personas indocumentadas y su experiencia en Estados Unidos a través de escenas de resiliencia y valentía. Mi obra es un archivo constante de historias personales que recuerdan el viaje y la vida tras llegar a una nueva tierra. Mientras muchos intentan integrarse, otros intentan convertir sus comunidades en pequeños rincones del hogar que dejaron atrás, construyendo negocios y marcando un camino para las generaciones futuras.
Presento mi trabajo como una tercera cultura que aún se está formando y reconociendo. La identidad de ser "de aquí y de allá", una mezcla de herencia mexicana en tierras del norte, y no "ni de aquí ni de allá". Una expresión que a menudo se ha usado para describir un sentimiento de desarraigo y de no pertenecer a ningún lugar. Busco que las personas se vean representadas y que otros vean una perspectiva diferente del mundo que compartimos.
2022-23 ARTISTAS RESIDENTES
GREG AIMÉ
Soy un creador de imágenes que combina medios digitales y tradicionales y que actualmente intenta comprender el mundo y a las personas que lo habitan mediante la traducción visual a color, valor, bordes y líneas 2D. Últimamente, mi trabajo se ha centrado principalmente en dos cosas: meditaciones silenciosas sobre los objetos que tocamos a diario y los lugares en los que vivimos, y las formas en que cuidamos nuestras representaciones cotidianas de la identidad a partir de imágenes didácticas familiares y culturales en constante cambio.
Mi trabajo, en esencia, es un viaje de autodescubrimiento. Exploro la dinámica de mi cultura y cómo afecta mis relaciones con mi familia, amigos y la sociedad. Este proceso me ha ayudado a sanar, fortalecido mi espiritualidad y me ha llevado a descubrir cosas sobre mí misma que de otro modo tal vez nunca habría descubierto. A través del collage y otros medios, mi objetivo es generar conversación sobre los descendientes de la diáspora, mostrando la historia, la realeza, el legado y la tradición afroamericana. Espero minimizar la falta de conocimiento y la falta de empatía con nuestra rica cultura e historia para que tengamos una autoestima incuestionable. Ponte mi lente y disfruta de este viaje conmigo.
LILY MORGAN
Lily Morgan es educadora de arte y pintora, residente en Norwalk, Connecticut. Su obra explora la relación entre la abstracción, la geometría y el realismo. Sus pinturas se construyen capa por capa y su complejidad aumenta a medida que se acercan a la superficie.
En mi obra, me esfuerzo por encontrar el equilibrio entre elementos contradictorios, impulso e intención, así como fantasía y peso. En la mayoría de mis piezas, empiezo mezclando una gama de colores para cubrir la superficie. Las marcas iniciales son fluidas e intuitivas y se vuelven más deliberadas con el tiempo. Estos primeros pasos en la construcción de una superficie son tan importantes para mí como la representación del objeto en las pinceladas finales.
Me da un placer extra crear obras con colores y objetos intencionadamente divertidos, pero representados de forma que invitan al espectador a dedicarles más tiempo. ¡Nada dice "no te lo tomes en serio" como un montón de bolas de discoteca sobre un fondo rosa fucsia! Sin embargo, descubrirás que el tema se toma MUY en serio al pintarlo, prestando atención a cada sombra, luz reflejada y cada sutil cambio de tono.
TIARA TRENT
Tiara Trent es una artista multimedia afroamericana que narra historias visuales oníricas desde lo más profundo de su corazón e imaginación. Nacida y criada en el Bronx, Nueva York, Tiara reside en Norwalk, Connecticut, desde hace seis años y se ha integrado plenamente en la comunidad artística local. Sus técnicas preferidas incluyen tinta, pintura, software de pintura digital y cualquier otro material que tenga a su alcance. Actualmente estudia Artes Plásticas en el Norwalk Community College y su mayor sueño es convertirse en ilustradora y animadora, al igual que su mayor inspiración, Hayao Miyazaki. Su obra aborda temas como la relación con uno mismo, la identidad femenina negra, la belleza y la espiritualidad.
Utilizando una amplia variedad de medios tradicionales y digitales, creo historias visuales y atmosféricas a partir de mi imaginación. Mi obra presenta temas como la relación con uno mismo, la identidad de la mujer negra, la belleza y la espiritualidad. Mis conceptos suelen surgir de mi propia experiencia, no solo porque es lo que me resulta familiar, sino también porque considero mi obra como una extensión de mí misma. Si bien mi trabajo tiene ciertos matices sombríos, veo mi proceso creativo como un ritual de amor propio. Es una forma de liberar emociones intensas de mi mente y a través de mi cuerpo de manera saludable.
El acto de crear siempre me ha hecho sentir tan viva. Anhelaba sumergirme en esa pasión. La deseaba tanto que desde muy joven supe que quería dedicarme al arte. Quería respirar arte y tuve la suerte de crecer en una familia que me apoyaba y comprendía mi seriedad. Crecí en un hogar pequeño, solo con mi madre y mi hermana. Aunque no eran artistas visuales, les encantaba escribir y contar historias, y me inspiraron a contar historias a mi manera. Mi obra es una conversación profundamente personal que mantengo conmigo misma y con el espectador. Como artista, a menudo añado un toque de ambigüedad a mi trabajo para animar al espectador a usar su imaginación e interpretar su propia historia a partir de mi obra, con la esperanza de que podamos identificarnos y conectar.
ARTISTAS RESIDENTES 2021-22
Francisco Mandujano
Me encanta lo que hago y mi objetivo es enseñar a otros cómo crear miniaturas y construcciones de terreno a través de técnicas simples y materiales baratos que encontramos a nuestro alrededor, como tapas de botellas, tapas, cartones de leche, palillos de dientes, etc.
La mayor parte de mi inspiración proviene de los videojuegos y dibujos animados que solía jugar y ver cuando era niño, como Dragon Quest, Dark Souls y One Piece.
Una de mis formas favoritas de crear ahora es reciclar objetos y convertirlos en algo único. Esto es algo que aprendí de niño, ya que no tenía mucho de qué ocuparme. He convertido espuma de embalaje en templos y ramas de árboles comunes en fortalezas. Lo que hago
Mi imaginación es el único límite. Recientemente también me he adentrado en el mundo de Dungeons and Dragons y otros juegos de rol de mesa que me dan una excusa más fuerte para seguir creando.
Incluso creé un canal de YouTube dedicado a enseñar a la gente a crear su propio terreno para el juego. Me gusta pensarlo como si fuera ajedrez, pero primero hay que crear el tablero y las piezas. El canal fue tan importante para mí como para mi público. Les enseño a crear cosas que nunca habrían imaginado que podrían hacer por sí mismos. Al mismo tiempo, me han dado una razón para seguir trabajando en mi arte y permitir que mi habilidad evolucione en el proceso.
Mis planes para el futuro son simples: espero convertirme en artista. Espero que mis sueños y ambiciones me lleven adonde quiero llegar. Seré feliz viviendo cómodamente haciendo lo que me apasiona. Espero inspirar a otras personas a ser artistas también. A vivir una vida feliz y a nunca perder esa capacidad de asombro que tenían de niños.
LORENA SFERLAZZA
Lorena Sferlazza (ella) es una artista visual y educadora de Norwalk, Connecticut, cuyo trabajo aborda la dinámica de la vulnerabilidad y los efectos del impacto ambiental a través de la pintura, el dibujo y la fotografía. Lorena obtuvo una maestría en Bellas Artes (MFA) en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania (PAFA), una licenciatura con honores en el College of the Holy Cross y certificados de estudios de la Università degli Studi di Firenze y la Libera Accademia di Belle Arti en Florencia, Italia.
Su obra se ha publicado en la revista Create! y se ha exhibido en el noreste de Estados Unidos e Italia, concretamente en Nueva York (Galería Anna Zorina, Sotheby's), Filadelfia (Galería Paradigm, Torre FMC, Muelle de Cherry Street, Galerías del Museo PAFA, The Plastic Club, Galería Twenty-Two), Worcester (Galería Iris y B. Gerald Cantor, ArtsWorcester), Hartford (Galería Silpe), Delaware (Art Loop Wilmington), Condado de Fairfield (Ayuntamiento de Norwalk, antiguo Centro de Artes de Westport, Oficina del 4.º Distrito Congresional de Connecticut en Bridgeport) y Florencia, Italia (LABA). Lorena ha recibido una beca al mérito de PAFA, la beca para artistas del Whitney Smith Gift Fund y la beca Charles A. Dana de Holy Cross, un premio Northeastern US Gold Portfolio de Scholastic, Inc., un premio Portfolio Award of Excellence de Lyme Academy y la beca Kevin M. Eidt Memorial del Kevin's Fund.
Mientras trabaja como Artista Residente del Espacio de Arte de Norwalk, Lorena trabaja en el área de educación del Museo de Arte Contemporáneo Aldrich, desarrollando programas de aprendizaje interactivo para todas las edades y capacidades. También colabora en diseño creativo para empresas locales de fotografía y cuenta con una amplia experiencia en docencia, investigación y administración para museos, casas de subastas, galerías e instituciones académicas. Lorena ha sido cofundadora y miembro de la junta directiva de Kal-Pa-Vriksh "The Giving Tree", organización sin fines de lucro 501(c)3 en Norwalk desde 2011.
REMY SOSA
Aprendí a dibujar de mi madre, que era arquitecta, pero me apasioné por el arte cuando descubrí que podía dibujar con una goma de borrar. Siempre me ha encantado crear arte e incluso he descubierto que me ayuda con el estrés y la ansiedad. De niña, era tímida y crecí en un entorno dominado por hombres donde no podía hablar a menos que me hablaran y nunca podía alzar la voz. Aprendí a expresarme a través de líneas y colores. El arte es mi forma de gritar. Es mi lenguaje. Supongo que siempre supe que mi futuro estaría ligado al arte.
Me he centrado en hacer retratos de personas que conozco e incluso de desconocidas. Y aunque el sujeto suele estar solo, nunca es pequeño. Creo que la inteligencia emocional aporta una sensación de poder y crecimiento. Porque, ¿cómo se puede conocer lo bueno sin lo malo?
Emily Teall
Emily Teall (Licenciatura en Bellas Artes, Universidad de Cornell, promoción 2016; Maestría, Universidad de Columbia, promoción 2018) es una artista multimedia residente en Connecticut con un interés particular en la escultura y la instalación artística. Mi carrera artística comenzó con un interés y curiosidad por la naturaleza desde la infancia. Los elementos orgánicos siguen impulsando mis obras. Mi obra actual también se nutre de experiencias con la ansiedad social y del papel del cuerpo en la identidad (particularmente la femenina). He expuesto en diversas exposiciones colectivas en Riverside, Connecticut, mi ciudad natal y sus alrededores; en la Universidad de Cornell, donde obtuve mi Licenciatura en Bellas Artes; en la Universidad de Columbia, en una exposición comisariada por Gregory Amenoff; en Nueva York; y en Hudson, Nueva York. He colaborado estrechamente con la artista de instalaciones Angiola Churchill y con la pintora Christina Burch.
Además de desarrollar una práctica artística personal a través de exposiciones y la participación en colectivos artísticos, actualmente imparto una amplia variedad de cursos de artes visuales y diseño para estudiantes de 5.º a 12.º grado en el campus de Greenwich de Fusion Academy. Me apasiona especialmente combinar los derechos humanos con las artes y la educación artística; mi tesis de maestría, titulada "Realizando el derecho a la educación de los niños sin hogar de Nueva York: Identificando y eliminando barreras", se centró en la educación de jóvenes sin hogar.
Becarios KORRY 2024-25
Juanita domingo
Como curadora independiente, productora cultural y afrofuturista, me comprometo a explorar la intersección del arte y la cultura negra, ofreciendo una perspectiva sobre el pasado, el presente y el futuro de la diáspora africana. Mi obra fusiona imaginación, diseño y arte social práctico, con el objetivo de reimaginar narrativas y reivindicar identidades culturales.
Mi práctica curatorial crea plataformas para que artistas negros exploren temas de identidad, historia y futuros especulativos. Mis exposiciones no son solo muestras de talento artístico, sino también espacios para el diálogo, la reflexión y la participación comunitaria.
Creo que el arte no debe limitarse a las paredes de las galerías; debe impregnar la esencia de la sociedad, desafiando las normas y fomentando la inclusión. Mi enfoque curatorial trasciende los límites tradicionales. Me involucro profundamente en todos los aspectos de mis exposiciones, desde el diseño hasta la instalación, y mi objetivo es crear experiencias inmersivas que inviten al espectador a imaginar nuevas posibilidades. En mi práctica curatorial, amplifico las voces históricamente marginadas, ofreciendo una plataforma para que los artistas negros cuenten sus propias historias a su manera, celebrando la riqueza y diversidad de la cultura negra.
Lauren Clayton
Lauren Clayton es una artista y diseñadora gráfica residente en Stamford, Connecticut. Estudió en la Cooper Union School of Art de Nueva York antes de fundar su empresa de arte y diseño, Studio 162, en 2003. Con los años, ha crecido hasta ofrecer diversas soluciones creativas, desde diseño web para Playtex hasta murales por encargo para GE Appliances. En los últimos años, Lauren se ha centrado especialmente en colaborar con organizaciones sin fines de lucro, cuya misión apoya con arte y diseño impactantes. En sus intrincados dibujos a lápiz y collages, Lauren explora ideas de identidad, conectividad y nuestro impacto en la comunidad y más allá. Disfruta del uso de paletas monocromáticas yuxtapuestas con toques de colores vibrantes.
Las palabras y el simbolismo se entrelazan a menudo en su obra, invitando a la gente a acercarse y reflexionar con curiosidad. Su obra se ha exhibido en el área triestatal, Washington, D. C., y en Miami durante la Semana del Arte. Participa en iniciativas de impacto y dirección creativa para organizaciones locales y participa activamente en su comunidad, asesorando a estudiantes de arte y, anteriormente, formando parte de juntas directivas locales.
Dooley-o
El legendario rapero, productor y artista de grafiti de Connecticut, "DJ Dooley-O", es ampliamente reconocido en el mundo de los DJs como el primero en el hip-hop en samplear "It's A New Day" de la desconocida banda de los 70, Skull Snaps, y como productor de los videos de grafiti underground GTV. Criado en las calles de New Haven, Dooley-O nunca tuvo la oportunidad de participar en un programa o escuela de arte. Un día, entró en un centro de arte buscando ayuda y nadie respondió a su llamada. Así que, al sentirse rechazado, decidió que las calles serían su lienzo. Tras forjarse una reputación, Dooley es ahora ganador del premio al Artista del Año, con su propio estudio de arte, y colabora en la curaduría del Mercado de Arte de Westville y el Paseo del Arte.
Paige Mostowy
Los artefactos del pasado de mi familia no eran objetos ni lugares, sino historias. Fluctuaban al pasar de persona en persona hasta que, finalmente, esas semejanzas reconstruidas se convertían en verdades. Entrelazando el paso del tiempo con la petulancia de la perspectiva, cuestiono cómo la historia de una persona impacta su capacidad de participar en un presente coherente cuando está imbuida de un trauma generacional. Exploro los paralelismos y las paradojas entre los lapsos de memoria, la percepción y la asociación de objetos reparando artefactos desechados que previamente permearon la ontología de una persona o familia. Las reparaciones y conexiones que establezco acentúan las fracturas o los bordes desgastados que parecen desprovistos de la preciosidad que una vez tuvieron. Estas antiguas reliquias se recomponen, reconfiguran y alteran aún más para crear semejanzas de un todo en un débil intento de reparar lo que una vez se perdió. Al igual que cuando la muerte o el divorcio disuelven a una familia, un miembro a la vez, estos objetos son incapaces de volver a su estado anterior al trauma. Representante de las emociones, con la capacidad de inundar internamente a una persona y su perspectiva, el efecto residual de los objetos y sus asociaciones dispersa nombres e incidentes con el paso del tiempo y las impresiones se desvanecen. A medida que las perspectivas cambian con el tiempo, las circunstancias tejen las historias de los individuos, que nunca serán vistas ni contadas de la misma manera dos veces. Cada idea, momento y afecto se construye continuamente sobre lo que una persona ha creado o, lo que es igual de importante, ha decidido abandonar.
Becarios KORRY 2023-24
ISABELLA MONTENEGRO
El tiempo lo es todo. Sin embargo, el problema con el tiempo es que no puedes controlarlo. El reloj no se detiene, no puedes retroceder en el tiempo ni avanzar rápidamente. El reto con el tiempo es abrazar plenamente el estar aquí, presente, en el momento. Me ha llevado tiempo aprender a mantener la cabeza alta y los ojos abiertos porque nunca se sabe con quién te puedes encontrar, qué oportunidades se te pueden presentar, dónde podrías terminar y tu porqué. Mi porqué es inspirar a quienes me rodean a observar con atención, tomarse un segundo y absorberlo todo. No hay mejor momento que ahora.
AISHA NAILAH
Aisha nació y creció en Bridgeport, Connecticut, y actualmente es miembro y residente de Reads Artspace. Tiene una licenciatura en arteterapia y es maestra certificada de educación especial y artista docente. Es una artista multidisciplinaria. Se centra principalmente en obras multimedia abstractas y figurativas abstractas, y recientemente ha añadido murales y arte público a su lista de habilidades. Combina su pasión por el color y la textura, trabajando a menudo telas y papel en sus piezas, además de usar pintura y tinta. Su trabajo se centra principalmente en el sentimiento, el color y la vitalidad espiritual de la composición. Aisha se siente muy inspirada culturalmente por ser una mujer de la diáspora africana de ascendencia costarricense y por el arte callejero, especialmente por las formas y colores libres que se encuentran en los estilos y movimientos caligráficos. Aisha comenzó a exhibir su arte en 2010. Desde que se involucró en el arte, ha comisariado múltiples exposiciones a gran escala en Reads Artspace, exhibiendo a nivel nacional e internacional. También se desempeñó como comisaria en la galería BLENDS en Bridgeport de 2017 a 2019.
CARLOS RM
Carlos RM nació en Bogotá, Colombia, el 9 de marzo de 1981. Creció en Villa del Prado, un barrio a las afueras de la ciudad, con sus dos hermanas mayores. A los 9 años, sus padres lo inscribieron en clases de pintura al óleo con la artista María Elena Gallo. En 1994, debido a la inestabilidad del país en ese momento, su familia decidió mudarse a Estados Unidos. En 1997, después de visitar el estudio del artista Miguel Malgaret, Carlos se inspiró para dedicarse al arte como carrera. De 1998 a 2002, Carlos trabajó y estudió en el estudio de Malgaret. En 2012, Carlos se mudó a la ciudad de Nueva York, donde se inscribió en la clase de Robert Cenedella en la Art Students League de Nueva York, mientras trabajaba como manipulador de arte para galerías de arte, museos y casas de subastas. En el verano de 2020, debido a la pandemia, Carlos se mudó de la ciudad a la cercana ciudad de Norwalk, Connecticut, donde pinta a tiempo completo.
Becarios KORRY 2022-23
Jerri Graham
Jerri Graham es una fotógrafa y escritora que se estableció en Westport, donde vive con su hija y una casa con mascotas. Capturar la vida a través de imágenes ha sido su lenguaje durante más de 35 años. Jerri, fotógrafa con formación gubernamental, comenzó a fotografiar en su adolescencia con su padre, quien le enseñó la importancia de "contar toda la historia" a través de imágenes.
A lo largo de los años, la Sra. Graham se ha dedicado a la escritura, la radio, la edición, la docencia, la emprendimiento gastronómico y la fotografía independiente en tres continentes. A través de su lente, captura la vida tal como la ve y las historias que quiere contar. Desde la fotografía callejera hasta sus retratos de lo conocido y de lo desconocido para pocos, su prioridad sigue siendo la misma: retratar la auténtica experiencia humana, a través de los destellos de luz y vida que ve a través de su lente. Concibe a sus sujetos como arte en la vida e insiste en que cada uno de nosotros merece ser expuesto y escuchado.
La Colección de Artes Permanentes de Westport adquirió recientemente dos impresiones de la Sra. Graham y ella vende fotografías callejeras de edición limitada a coleccionistas privados de la región.
Como becaria Korry, Jerri espera crear una unión entre sus imágenes y sus palabras en una exposición de narración multisensorial donde el sonido, la historia y las imágenes cobran vida.
SUSAN HARDESTY
Susan ha comisariado exposiciones durante muchos años. Empezó en el Instituto de Arte y Recursos Urbanos, The Clocktower y PS 1, espacios alternativos, promoviendo a artistas jóvenes y emergentes. Tras un año estudiando arte en Roma, Susan regresó a Nueva York y trabajó como secretaria del Programa de Arte de The Chase Manhattan. Pronto se convirtió en comisaria y viajó por todo el país e internacionalmente, visitando artistas locales y adquiriendo obras para las oficinas regionales de Chase. También comisariaba exposiciones itinerantes de la Colección Chase.
Susan trabajó en el Centro de Artes Silvermine como directora de galería, pero pronto dejó el puesto para abrir una asesoría artística con un socio. Trabajaron con coleccionistas privados y grandes corporaciones, como Sony y Cadbury. Mientras trabajaba como consultora, Susan dirigió los programas de arte locales para Mustard Seed y Side By Side.
Durante los últimos 20 años, Susan fue Directora de Exposiciones y Colección en Norwalk Community College. Curó e instaló más de 200 exposiciones.
SARAH KING
Sarah King es pintora, escultora e ilustradora de libros infantiles y vive y trabaja en Stamford, Connecticut. Actualmente explora el tema en constante evolución de la maternidad a través de diversos medios, todos basados en la observación y sus propias experiencias.
IYABA IBO MANDINGO
Me honra ser becario Korry. Este reconocimiento representa una muestra más del apoyo y el aliento de mis compañeros y amantes del arte. Siempre me ha impresionado el colectivo de artistas del condado de Fairfield. El Norwalk Art Space es una oportunidad para reunir a estos talentos y atraer la atención nacional a nuestro estado, inspirando a todos los artistas locales emergentes que a menudo piensan que tendrán que irse de Connecticut para darse a conocer. Soy hijo de una profesora de arte e inglés de Stamford que supo ver más allá de los estereotipos de mi entorno y animó a un niño inmigrante tímido a explorar su imaginación. Quiero seguir compartiendo ese legado.
Becarios KORRY 2021-22
KELLY ROSSETTI
Kelly Rossetti es una pintora abstracta y figurativa contemporánea residente en Westport, Connecticut. Si bien es principalmente autodidacta, estudió pintura al óleo clásica en un pequeño taller de Nueva York, donde, según ella, obtuvo sus bases y su pasión por la figura. Kelly trabaja tanto con acrílico como con óleo y a menudo utiliza diversas técnicas mixtas para lograr profundidad, textura y trazos.
JAHMANE
La carrera de JAHMANE como artista comenzó en forma de "Graffiti" y ha evolucionado hacia un amplio espectro de medios que incluyen obras sobre lienzo, fotografía, diseño de moda, serigrafía, diseño gráfico, murales a gran escala y diseño de interiores.
LIZZY ROCKWELL
Lizzy Rockwell ilustra numerosos libros y juegos infantiles, y es autora e ilustradora de "Good Enough to Eat: A Kid's Guide to Food and Nutrition", "The Busy Body Book: A Kid's Guide to Fitness", "Plants Feed Me", "A Mammal Is an Animal" y "How Do You Feel?". Lizzy colaboró con su madre, la difunta autora e ilustradora Anne Rockwell, en "Manzanas y Calabazas" en 1989 y, más recientemente, en "Senderismo Day".
Tara Blackwell
Tara Blackwell es una artista pop de técnica mixta que trabaja entre Connecticut y Nueva York. Criada en un hogar de artistas, Tara se sumergió en diferentes estilos y modalidades artísticas desde muy joven. Experimentando con diversos medios y técnicas, Tara emplea colores vibrantes, capas y texturas, incorporando a menudo la nostálgica cultura pop para explorar temas sociales contemporáneos.
JOSÉ FUCIGNA
Joseph Fucigna es un artista multimedia cuyo trabajo se basa en el proceso, el juego y las cualidades innatas de los materiales utilizados. A través de la experimentación, el juego y la innovación, crea esculturas conocidas por su capacidad para transformar materiales, su ingenio y sus temáticas singulares pero sugerentes.
JARDÍN DE ESCULTURAS
Nuestro jardín de esculturas, comisariado por Yvonne Shortt, busca ser un vínculo dinámico entre el museo Norwalk Art Space y la comunidad adyacente. El jardín busca inspirar la interacción y la conversación en un entorno artístico y acogedor. Contamos con una escultura permanente y tres esculturas rotativas que cambian cada dos años. La escultura permanente del artista Gilbert Boro, residente en Connecticut, "After the Race III", evoca recuerdos de la navegación en el estrecho de Long Island. Fue seleccionada en parte por la pasión de nuestra fundadora, Alexandra Korry, por la navegación con su esposo e hijas. "After the Race III" es una construcción dinámica de acero soldado, cuyas elegantes superficies curvas se elevan 4,8 metros hacia el cielo. Los planos que se entrecruzan dinamizan los espacios negativos y positivos alrededor y dentro de la escultura. Las placas de acero, cuidadosamente elaboradas, están pintadas de un naranja vibrante, creando un ambiente que refleja la luz y la energía del día o de la noche. La serie de esculturas "After the Race" de Gilbert Boro se desarrolló tras muchos años de navegación y participación en regatas y carreras de vela. El Sr. Boro ha tenido una distinguida trayectoria como escultor, arquitecto, educador y consultor internacional de diseño. Su escultura se centra en la interacción entre el espacio, el lugar y la escala. Utiliza diversos materiales, incluyendo el acero; en este caso, la altura de la escultura de 4,8 metros busca redefinir nuestro edificio como centro artístico. La aclamada obra del Sr. Boro se ha exhibido en museos y galerías de Estados Unidos y Europa.
La segunda escultura seleccionada, "Souvenir", es obra de Niki Ketchman.
Ketchman es un reconocido artista de Connecticut, cuya obra ha sido incluida en importantes colecciones como: el Museo de Arte Americano de New Britain, la Galería de Arte Picker (Universidad de Colgate), Grounds for Sculpture, el Museo DeCordova, el Museo Nacional de Mujeres en las Artes, el Museo de Arte Housatonic, CUNY en Staten Island, el Sistema Escolar de Westport y la Sociedad Histórica de Westport. El palo rojo, que brilla con la luz del sol, representa un recuerdo típico de cualquier lugar.
Materiales: varilla de acero, alambre de aluminio y acero, palo de bambú, pintura
Dimensiones: 2,18 m de alto x 71 cm de ancho x 76 cm de profundidad
Nuestra curadora, Yvonne Shortt , es una de las tres escultoras rotativas seleccionadas. La Sra. Shortt es una artista de instalaciones públicas que crea obras centradas en la cultura afroamericana a través de su serie titulada "Marmolización afroamericana: Un acto de desobediencia civil". Actualmente, tiene más de 30 instalaciones de arte público en exhibición en el área triestatal y está construyendo un barco para recolectar arcilla de ríos y arroyos y narrar narrativas afroamericanas.
"Afro Pick: Don't Go, Don't Grow" de la Sra. Shortt se inspira en sus propias experiencias como madre e hija. Representa un momento de transición, de asumir la responsabilidad y soltar. Lo hace utilizando un objeto con una rica historia cultural de más de 5500 años de antigüedad.
*La pieza superior del mango de la púa afro cambiará de vez en cuando para celebrar mis narrativas afroamericanas, así que sigue visitando.